Felicidades a Erick Hernández ,quien a sido el ganador del mes de febrero ! Cada mes premiamos a el ganador de Concurso de fotografía , un concurso donde  participan fotógrafos de todas las edades, que   capturan la esencia de cada mes. El equipo del concurso de fotografía quiere agradecer a todos los participantes por su entusiasmo y creatividad. Nos sigue sorprendiendo y emocionando la gran acogida del concurso. Apreciamos el estilo único de cada fotografía y cómo cada participante ha capturado la belleza del mundo que nos rodea. La elección de la fotografía ganadora del mes de febrero ha sido la de «Las Palomas» haciendo referencia al el espíritu del mes del amor y la amistad , Erick Hernández ha plasmado un bonito gesto de amor entre estas dos aves; estas serán las protagonistas del mes de febrero en la edición impresa del calendario de pared para el año 2025. ¡Enhorabuena a Erick, y gracias a todos los participantes por regalarnos estas bonitas imágenes ! Os dejamos algunas imágenes de los participantes del mes de febrero. Aprovechamos para invitarles a la próxima salida del club  de fotografía en el en puerto de Sagunto. Esperamos vuestras capturas el mes que viene …

¡Gracias a todos por participar en el concurso de fotografía! Queridos participantes: Queremos agradecerles de todo corazón por su participación en el concurso de fotografía que tiene como tema capturar la esencia de cada mes del año. Hemos recibido con mucho entusiasmo, la creatividad que habéis reflejado del mes de enero. Gratamente nos ha sorprendido y la vez emocionado la participación de fotógrafos y fotógrafas de todas todas las edades, que se suman a esta apasionante afición. Apreciamos mucho el estilo de cada una de sus particulares fotografías. Fue un verdadero placer ver cómo capturaron la belleza del mundo que nos rodea. Para el equipo de encargado de seleccionar la fotografía ganadora fue una elección muy igualada, quedando como ganadora la fotografía de Pascual Mateos ¡Enhorabuena Pascual! Esta bonita Clivia será la protagonista del mes de enero, en la edición impresa del calendario de pared para el año 2025 . Próximo concurso: ¡Esperamos que participen en los siguientes meses del concurso de fotografía! Aquí les dejamos las Galería de las fotografías participantes. Anunciaremos el ganador del mes de febrero en breve. Si aún no has enviado tus fotos de febrero estas a tiempo. ¡anímate a participar! . No olviden seguirnos en nuestras redes sociales para estar al tanto de las últimas noticias y próximos actividades. Disfrutar y hacer muuuchas Fotos ¡Hasta el mes próximo !

El pasado  viernes 10 de noviembre de 2023, a las 19:00 horas, en la biblioteca municipal del Centro Deportivo y Cultural de la Petxina de Valencia, se presentó para los lectores de la Comunitat Valenciana el libro “Flores entre escombros” de María del Carmen Aranda. Esta novela nos sumerge en un relato histórico vivido en España, basado en la posguerra española. A través de la mirada inocente de una niña, podremos trasladarnos a un mundo hostil y lleno de resentimientos, traducido en ganas de vivir y esperanza. La autora ha plasmado en palabras las imágenes grabadas en el alma de la protagonista, ofreciéndonos una visión única de aquel período turbulento. El acto arranco con las palabras de la escritora Juana Espín, dando  la bienvenida a todos los presentes , describiendo este titulo como  «uno de los mas bonitos que he leído, porque  es un mensaje de esperanza » La organización del evento corrió a cargo de Asun Barceló,  con un programa emotivo , donde los asistentes tuvieron la oportunidad de conocer a la autora, y a su protagonista, “Concha”,  a quien le dedicaron un entrañable homenaje . La pequeña Lola personifica  a aquella niña Concha, emocionando a todos los presentes.  El Grupo Vibración fue el encargado de poner la nota musical en este acto literario.  Con algunas piezas musicales especialmente seleccionadas para resaltar la temática de la obra encuadrada en la Memoria Histórica.  Toni  y Vicente  compartieron  un mensaje en contra de la violencia. El critico literario José Carlos Morenilla compartió su análisis de la obra, referenciando un escenario de hace mucho tiempo pero sin embargo esta de rigurosa actualidad , definiendo la obra como un libro apasionante ,   describiendo a la autora como “exquisitamente cuidadosa para no contaminar el relato, es algo extraordinario que nunca había leído antes”. La escritora  Maria Cristina Berçaitz , citó  que  en la narración la  esperanza siempre esta presente. “Este libro es un canto a la esperanza en medio de la necesidad” La autora María del Carmen Aranda, agradeció a todos los presentes  por el emotivo acto de presentación, sumergida  en la atmósfera de “Flores entre escombros”. María del Carmen compartió como nació escribir  esta historia   “Siempre me gusto escribir y un día vi a mi madre con lágrimas en sus ojos, y dije tengo que contar su historia”, “Flores entre escombros “ nos recuerda  que incluso en los momentos más oscuros, la humanidad puede encontrar esperanza. El acto concluyo la firma de libros y  un vino de honor . Si aún no has tenido la oportunidad de leer esta conmovedora novela, te animo a descubrir “Flores entre escombros” y sumergirte en su cautivadora historia. https://www.casadellibro.com/libro-flores-entre-escombros/9788416821990/5549714

9 de Junio  2023. La Sala de Exposiciones Centro Cívico Antiguo Sanatorio, Puerto de Sagunto, Valencia, fue acogida la Exposición y Presentación del fotolibro aunados bajo el título «Huellas» por La Fotógrafa Valenciana Pilar Sampedro. La fotógrafa Pilar Sampedro, muestra su trabajo mas íntimo y personal en «Huellas» Se trata de un fotolibro que ha marcado la existencia de la autora donde fue arropada arropada por el pintor y escultor, Jaime Giménez de Haro, el escritor Antoni Gómez y el pintor Antonio Camaró. Ramón fue uno  de los protagonistas de  esta obra. La sala de exposiciones Centro Cívico Antiguo Sanatorio es el espacio elegido para que la fotógrafa Pilar Sampedro.

“Tristán e Isolda”, de Richard Wagner Fue estrenada en Múnich el 10 de junio de 1865 El día 17 de abril de 2023 a las 19 h programación exclusiva para jóvenes a 10 € la entrada   Y los días 20, 23, 26 y 29 de abril y 3 de mayo en funciones de abono.   Esta “Galáctica” versión de “Tristán e Isolda”, se corresponde con el aplazamiento que la obra tuvo que sufrir en marzo de 2020 por motivos de la pandemia del Covid 19. La producción de Àlex Ollé traslada el drama romántico de “Tristán e Isolda” a un espacio que nos recuerdan a “Star Wars” y que, curiosamente, coincide con los rodajes realizados últimamente en los alrededores del Palau de Les Arts.   La escenografía de Alfons Flores se ha decantado en esta ocasión por una gran esfera de madera de más de 5 t. de peso que se va descomponiendo y creando escenarios “TRISTAN UND ISOLDE”Richard Wagner Ópera en tres actos. Libreto del compositor La historia de Isolda de Irlanda y del joven Tristán se ha empeñado en mostrar el carácter trascendente del amor como ruptor de lindes y como transgresor de corporeidades. La infinitud buscada en su desarrollo, la continua transformación de la célula melódica original, y la destrucción de la forma previa sólo persiguen un horizonte: la superación de la atadura física. Tristán e Isolda son la vida más allá de la vida, siendo ésta sinónimo de muerte; siendo tal muerte el paso a la forma más perfecta de energía que, como una luz cegadora, lo sume todo en un abismo de inconsciente y supremo deleite. Equipo creativo: Dirección musical: James Gaffigan Dirección de escena: Àlex Ollé (La Fura dels Baus) Escenografía: Alfons Flores Iluminación: Urs Schönebaum Video: Franc Aleu   Reparto:   Tristán: Stephen Gould König Marke: Ain Anger Isolda: Ricarda Merbeth Brangäne: Claudia Mahnke Kurwenal: Kostas Smoriginas Melot: Moisés Marín Un timonel: Alejandro Sánchez   Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales Orquestra de la Comunitat Valenciana Producción de la Opéra de Lyon “Digital melómano: Carlos López, 27/03/2012 Las grandes obras de arte son, en la mayoría de los casos, producto de las casualidades, o, mejor dicho, de la conjunción de una serie de factores causales que provocan, irremediablemente, el nacimiento de un monumento artístico. Nada más lejos, el compositor germano Richard Wagner fue protagonista de un hito en la historia del arte, cuando, sin ser plenamente consciente de ello, cambió la historia de la música occidental desde las primeras notas de su ópera «Tristan und Isolde». Génesis Contando con la inspiración remota en lecturas infantiles efectuadas junto a su tío Adolf, Wagner comenzó desde muy pronto a querer dar realidad musical a la leyenda artúrica y medieval de «Tristán e Iseo». Para la confección, de su propia mano, del libreto, el maestro germano utilizó como señera fuente la traducción del erudito Gottfried von Strassburg, más algunas versiones de tradición celta (de procedencia e idioma galés, francés o inglés) e incluso otras castellanas, remodelando la leyenda, reduciéndola a lo esencial y convirtiéndola en un drama conciso, vigoroso, de escuetos cambios de acción. La leyenda cuenta cómo Tristán, el guerrero córnico, e Isolda, la princesa irlandesa, se enamoran al beber un filtro de amor, pero el músico presenta a los protagonistas ya enamorados, con lo que el efecto de la poción, un supuesto bebedizo mortal que Brangäne sustituye previamente, no es otro sino el agravamiento de la pasión amorosa….. En 1857 Wagner le enseñó el libreto a la joven señora Wesendonck, confesando que su génesis se la debía enteramente a ella. El compositor pidió incluso a Mathilde escapar juntos y unir definitivamente sus vidas, pero ella echó mano de una recatada prudencia y rechazó tal idea, hecho del que se hizo eco Minna, la malhumorada esposa de Wagner, que concibe la situación como insostenible e insoportable, y le fuerza a un voluntario y solitario destierro en Venecia. Mathilde se convierte así, desde su autoexilio veneciano, en ese anhelado objeto de amor inalcanzable. Es en la ciudad de los canales donde concluye el segundo acto y parte del tercero de «Tristán», mientras que, en Lucerna, donde entraría en contacto con el director de orquesta Hans von Bülow y su esposa Cosima (la hija de Liszt que posteriormente se convertiría en esposa de Wagner), efectúa la definitiva orquestación en 1859. Estreno Fue Múnich finalmente el escenario en que, el 10 de junio de 1865, tras interminables ensayos, bajo la dirección de Von Bülow (que, a pesar de estar colaborando codo con codo con Wagner, no se enteraba de que Cosima mantenía una secreta relación con dicho autor) y el auspicio del joven monarca, se produjo el esperado estreno de «Tristán e Isolda», protagonizado por Ludwig Schnorr, una excelente voz tenoril, y su esposa Malvina, ambos cantantes de lujo y actores consumados. Deseo El deseo y la renuncia terrenal, el amor y la muerte, se dan cita en esta discutida partitura a través de su indomable expresión musical. Wagner explora en ella todos los aspectos conscientes e inconscientes de un amor maduro entre adultos, muy al contrario del trágico amor adolescente de «Romeo y Julieta» de William Shakespeare. No obstante, el dramaturgo inglés fue una decisiva influencia, junto al drama griego (no en vano denomina Wagner a la ópera «Handlung in drei Aufzügen», acción dramática, término derivado de la traducción del griego, en tres actos) y al teatro de Calderón de la Barca, uno de sus escritores predilectos. Por otra parte, el complicado entramado psicológico de «Tristán e Isolda» se debe a la decisiva aportación de la filosofía de Schopenhauer, en concreto de su libro «El mundo como voluntad y representación», del que Wagner extrae propias conclusiones para la ideología dominante en la obra, una automática respuesta metafísica a su incombustible, inconsumable e inconfesable amor hacia Mathilde Wesendonck. Trasmutado en la terrible historia legendaria, el autor busca el consuelo para «el sentido e intenso deseo de muerte: una total inconsciencia, una completa negación del ser, el

Llega la ópera considerada como la piedra angular de la música Del 2 al 12 de marzo de 2023 se presentará: Don Giovani de W.A. Mozart Día 27 de febrero a las 19 h, función exclusiva para jóvenes menores de 28 años a 10 € Don Giovanni: de Wolfgang Amadeus Mozart Ópera bufa en dos actos Con libreto de Emanuele Conegliano conocido a nivel artístico como Lorenzo Da Ponte, y basado en: “El burlador de Sevilla” y “El convidado de piedra” de Tirso de Molina Se representará los días: 2, 4, 7, 10 y 12 de marzo de 2023 Visit Valencia: “Giovanni es un vividor que se dedica a seducir mujeres y a burlarse de quienes buscan castigarlo. Es consciente de que ejerce sobre los demás personajes un poder mágico, irresistible, hasta el punto de que sus vidas parecen no tener sentido sin él. De hecho, durante la obra da la impresión de que todo lo que hace no tiene consecuencia. Sin embargo, en su camino acaba cruzándose un viejo enemigo al que no puede burlar… «Don Giovanni» destaca por ser una obra dual, un «dramma giocoso» que preludia un genial equilibrio entre la seriedad impertérrita y la desmedida bufonería”. Ópera bufa, término utilizado para la ópera cómica (en italiano, opera buffa). La ópera bufa nació en Nápoles a principios del siglo XVIII, a partir de los interludios cómicos incluidos entre los actos de las óperas serias. A diferencia de la ópera seria, la ópera bufa siempre ha incluido personajes de clases bajas y más dúos, tríos e interpretaciones grupales. El punto culminante de este tipo de ópera es la interpretación grupal final, algo muy característico de las óperas bufas. Argumento: (Mozart Cat) “Nos encontramos en una ciudad española, en el siglo XVII, donde presenciamos el asesinato del comendador, que había acudido para defender el honor de su hija, Donna Anna, y que había sido desafiado a un duelo por el atrevido seductor Don Giovanni. El noble Don Ottavio, prometió de Donna Anna, jura que descubrirá al malhechor y que vengará al padre de la doncella, mientras el asesino, seguido por el criado Leporello, consigue huir. Encontrado por Donna Elvira, una amante abandonada que le busca desesperadamente, Don Giovanni huye de nuevo del escenario mientras su criado se enfrenta al desconsuelo y furor de la dama; al proclamar el famoso «catálogo» de las conquistas amorosas, éste revela a la mujer las traiciones del impenitente seductor. Mientras, Don Giovanni llega a las tierras bajo su dominio, donde tienen lugar las fiestas por las bodas de dos campesinos, Zerlina y Masetto, y donde con astucias y amenazas, consigue incluso seducir a la joven esposa. Llegan al castillo Donna Elvira, Donna Anna y Don Ottavio: Donna Anna busca venganza, y Elvira y Ottavio una compensación a sus penas de amor respectivas. Durante el baile de los campesinos, el grito de Zerlina deja al descubierto los infames propósitos de Don Giovanni, a quien ya no queda más remedio que prepararse para hacer frente a la venganza que se le viene encima al haber sido desenmascarado… Después de algunos engaños y tretas más (entre ellos, el cambio de ropas con Leporello como estrategia para hacer nuevas conquistas femeninas), el seductor, obligado nuevamente a huir, se refugia en un cementerio; su criado Leporello intenta convencerle por enésima vez para que cambie de vida. Ante las carcajadas y burlas de Don Giovanni, cobra vida la estatua del comendador, que también le increpa; a lo cual el asesino le contesta desafiándole a presentarse a cenar en su palacio. Ante la mesa preparada en el salón del castillo, Donna Elvira insta per última vez a Don Giovanni para que se arrepienta, pero éste le contesta con su habitual arrogancia: «Vivan le femmine, ¡viva il buon vino, sostegno di gloria e d’umanità!» El castigo llama a la puerta: ahora es la estatua del comendador la que insta a su asesino a arrepentirse. Don Giovanni no lo hace; por el contrario, ofrece su mano en señal de reto; pero el contacto es fatal: la tierra se abre y Don Giovanni es engullido por las llamas infernales. El «mundo» queda de esta manera salvado: Masetto y Zerlina celebran las bodas; Donna Anna y Don Ottavio acuerdan su unión y, mientras Donna Elvira anuncia que piensa retirarse a un convento, Leporello se aleja en busca de un mejor señor. El final fugado advierte: «Dei perfidi la morte alla vita è sempre ugual» («La muerte de los pérfidos es siempre igual a su vida»).” Equipo creativo: Dirección musical: Riccardo Minasi Dirección de escena: Damiano Michieletto Escenografía: Paolo Fantin Vestuario: Carla Teti Iluminación: Fabio Barettin   Reparto:   Don Giovanni: Davide Luciano Il Commendatore: Gianluca Buratto Donna Anna: Ruth Iniesta Don Ottavio: Giovanni Sala Donna Elvira: Elsa Dreisig Leporello: Riccardo Fassi Zerlina: Jacquelyn Stucker Masetto: Adolfo Corrado Cor de la Generalitat Valenciana Director: Francesc Perales Orquestra de la Comunitat Valenciana Producción del Teatro La Fenice de Venecia Davide Luciano: El barítono italiano Davide Luciano nació en una familia de músicos en Benevento y estudió con Gioacchino Zarrelli, con quien continúa trabajando. Davide, tiene sobrada experiencia en representar el papel de Don Giovanni. Para el Festival de Salzburgo de 2021, encomendaron la producción de “Don Giovanni” al maestro griego Teodor Currentzis y al director de escena italiano Romeo Castelucci, quien concibe una trama teatral de acongojante belleza que transforma las arias en grandes cuadros pictóricos y eligen como interprete a Davide Luciano Como inicio y raíz de esta producción, se había rodado una película con el título de “Don Giovanni”, que es estrenada el 7 de agosto de 2021, y que tiene como director a Romeo Castellucci y como interprete a nuestro Davide Luciano. Ruth Iniesta: Ha sido incluida entre las protagonistas del Festival de Ópera de Macerata 2023, donde compartirá ópera con Davide Luciano. Será en “Lucia di Lammermoor “de Gaetano Donizetti (12, 14, 17 y 19 de agosto), un título ausente de la programación de Macerata desde 2003, contará con una nueva producción confiada a Jean-Louis Grinda, con Francesco Ivan Ciampa

Tarifa especial 10 € hasta 28 años para la función del 19 de enero En esta ocasión, lo hace presentando la ópera Jenůfa, basada en la obra “La hijastra”, de Gabriela Preisová, uno de los temas de denuncia machista más actuales en la música cantada. En su momento, como escriben en la revista Ópera Actual: “Este drama ya ocasionó no pocos escándalos por la crudeza de los textos y por la denuncia de Preisová hacia la sociedad rural checa, arcaica, supersticiosa y machista”. La temática de la obra, y la calidad de su música, la han catapultado en los últimos tiempos a ser una de las óperas de repertorio más solicitadas. Jenůfa es una ópera en tres actos, con música y libreto del compositor Leoš Janáček, inspirado en la pieza teatral “Její pastorkyňa” (La hijastra), de Gabriela Preissová. Fue estrenada en Brno en 1904. Se representará los días: 19, 22, 24, 27 y 29 de enero de 2023 Jenůfa, se desarrolla en una aldea rural donde los prejuicios, los celos y las costumbres ancestrales y machistas agobia a una la muchacha bella y noble, enamorada del niñato rico, inmaduro y borracho que solo pretende vivir a su antojo, y del que ha quedado embarazada, solo anhela casarse para que su error no sea conocido por el pueblo y verse rechazada. La madrastra de la joven, Kostelnicka (La Sacristana), que conoce los prejuicios del lugar, separa a la pareja durante un año planeando que Steva supere su adicción al alcohol. Pero el futuro padre no quiere saber nada del niño y se va a casar con la hija del alcalde. Su hermanastro Laca está enamorado de Jenůfa pero jamás asumirá un hijo de su odiado hermanastro. Impulsada por su amor hacia su ahijada, La Sacristana va a cometer un terrible infanticidio con el hijo recién nacido para propiciar el matrimonio entre Laca y Jenůfa. “Janácek tardó diez años en completar la obra en un tiempo protagonizado por el dolor por la muerte de su hija. La ópera le serviría no solo como catarsis íntima, sino también como homenaje a su querida hija Olga, muerta a los veinte años de un tifus contraído en Rusia, cuando el padre la envió a casa de un familiar para evitar el compromiso con un joven que no aprobaba”. Equipo creativo: Dirección musical: Gustavo Gimeno Dirección de escena: Katie Mitchell Escenografía y vestuario: Lizzie Clachan Iluminación: James Farncombe Danatrugia: Klaus Bertisch Reparto: Stařenca Buryjovka: Elena Zaremba Laca Klemeň: Brandon Jovanovich Steva Buryja: Norman Reinhardt Kostelnička Buryjovka: Petra Lang Jenůfa: Corinne Winters Stárek: Sam Carl  Rychtár: Scott Wilde  Rychtárka: Amparo Navarro  Karolka: Laura Orueta  Pastuchyňa: Olga Syniakova  Barena: Quiteria Muñoz  Jano: Larisa Stefan  Tetka: Leticia Rodriguez Cor de la Generalitat Valenciana: Director Francesc Perales Orquestra de la Comunitat Valenciana Producción de la Dutch National Opera de Amsterdam   Dirección musical: Es el director valenciano Gustavo Gimeno, quien recientemente ha sido nombrado director musical del Teatro Real. La ópera Jenůfa supone un gran reto para cualquier batuta. Ha sido en los últimos años el director titular de la Ópera de Luxemburgo. Jenůfa: La protagonista que da título a la ópera corre a cargo de la soprano americana Corinne Winters, que debutó hace un año en este papel en Ginebra y con muy buen éxito. La soprano estadounidense ha interpretado más de treinta papeles principales en los principales teatros e ópera de todo el mundo Corinne Winters obtuvo una maestría en Música en interpretación vocal del Conservatorio Peabody y una Licenciatura “magna cum laude” de la Universidad de Towson antes de ingresar en la Academia de Artes Vocales de Filadelfia. Destaca como maestra y mentora de jóvenes cantores, y disfruta de su estudio de voz privado. Kostelnicka (La Sacristana): Estará interpretada por la mezzo soprano alemana Petra Lang. En los últimos años ha venido desarrollando su carrera en papeles de soprano dramática wagneriana, tales como Venus (Tannhäuser), Ortrud (Lohengrin), Sieglinde (La walkiria) o Kundry (Parsifal). Su interpretación del papel de Ortrud cuenta con grabación en DVD del Festival de Bayreuth de 2011 bajo la batuta de Andris Nelsons. Ha cantado en La Scala, Berlin Staatsoper, Zúrich, Bregenz, Salzburgo, Viena, Covent Garden, Baltimore, Paris, Carnegie Hall y otros teatros. Premios: Premio Grammy a la mejor grabación de ópera, premio Grammy al mejor álbum de música clásica Laca: Es su intérprete el tenor estadounidense Brandon Jovanovich y, según nuestros datos, será su debut en Valencia. Jovanovich estudió en la Universidad de Northern Arizona y en la Manhattan School of Music, integró luego el programa de aprendices de la Ópera de Santa Fe (1996-97) y en Seattle (1998). Fue ganador de la competición de Richard Tucker en 2007.1​2​3​ Su repertorio abarca Pollione en Norma (Trieste), Peter Grimes (Teatro San Carlos de Nápoles), Steva en Jenůfa, Don José en Carmen que cantó en el Festival de Glyndebourne, Macduff en Macbeth, Werther, Sergei en Lady Macbeth de Mtsensk, Luigi en Il Tabarro, Roberto Devereux en Gloriana y otros. Steva:  Interpretado por el también tenor americano Norman Reinhardt, que hará su debut en el Palau de Les Arts. Uno de los principales tenores de la generación más joven, Norman Reinhardt sigue gozando de una creciente reputación a ambos lados del Atlántico en el repertorio lírico y belcantista. Norman Reinhardt trabaja con algunos de los directores de orquesta y directores de escena más importantes del mundo, incluidos James Conlon, Jesús López Cobos, Laurent Pelly, Christoph Marthaler o Jürgen Flimm. Producción escénica: Procede de la Dutch National Opera de Ámsterdam, con dirección escénica de Katie Mitchell. En la capital holandesa se pudo ver en octubre de 2018 y fue bien recibida por público y crítica. Narra bien la historia, que simplemente la trae a tiempos modernos, Se ha visto también en algunos teatros británicos, como es el caso de Cardiff, donde se representó en el pasado mes de marzo. En España se han visto producciones suyas en el Teatro Real y en el Liceu de Barcelona, la última de ellas en el Coliseo de las Ramblas. Se trataba de Ariadne auf Naxos y tuvo lugar en septiembre de 2021. Gabriela Preissová criticó los prejuicios sociales y defendió el derecho de las mujeres a vivir libres e independientes. Sus descripciones de la dura realidad de la vida de la empobrecida población eslovaca del sudeste de Slovácko y de su moral siguen siendo valiosas como literatura y como sociología histórica. ​En

Adoración de los Reyes (Maestro de Perea, 1491) (Se puede contemplar en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia) Es la escena central de uno de los retablos más emblemáticos del Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia, el Retablo de los Tres Reyes o de la Epifanía. Su restauracióndescubrió, bajo los barnices oxidados unos colores muy vivos, rescatando su cromatismo original. Es una obra del siglo XV procedente de la capilla de los Tres Reyes del Convento de Santo Domingo en  Valencia. La obra fuecosteada en 1491 por Violante de Santa Pau, viuda de Pedro de Perea, que aparece pintado en la escena de la Epifanía, la autoría de la obra corresponde a un maestro anónimo,  que por este motivo se le conoce comoMaestro de Perea. Maestro de Perea es la denominación convencional por la que se conoce a un anónimo pintor hispanoflamenco que trabajó en Valencia entre 1490 y 1510.

Los próximos días 9, 11, 15, 19, 21 y 23 de diciembre se presentará en el magnífico escenario del Palau de les Arts de Valencia la ópera: “La Bohème”, de Giacomo Puccini Ópera en cuatro actos sobre libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, y basado en la novela de Henri Murger: “Scènesde la vie de bohème” Dirección de escena, escenografía e iluminación: Davide Livermore “LA BOHÈME», Giacomo Puccini Ópera en cuatro actos Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la novela de Henri Murger «Scènesde la vie de bohème» La exitosa producción de La bohème ideada por Davide Livermore y estrenada en Les Arts en 2012 sube una vez más al escenario de la Sala Principal, dirigida desde el foso por James Gaffigan. Prestan sus voces a la pareja protagonista el tenor albanés Saimir Pirgu -recordado por sus actuaciones en Don Giovanni y La Traviata– y la soprano italiana Federica Lombardi, aplaudida Fiordiligi en el Così fan tutte de Les Arts. Mattia Olivieri, Marina Monzó y el joven bajo de Crevillente Manuel Fuentes completan el reparto de esta Bohème de inspiración impresionista concebida por Livermore como un viaje por los sentimientos y una celebración de la vida y la muerte” Completarán la representación: Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats: Director Luis Garrido Escola Coral Veus Juntes: Directores Jordi Blanch, Amalia Bosó Cor de la Generalitat Valenciana: Director Francesc Perales Orquestra de la Comunitat Valenciana Producción del Palau de les Arts Reina Sofía, original de Opera Philadelphia Como en sus anteriores representaciones de “La Bohème” en 2012 y 2015, Davide Livermore se mantiene fiel al libreto original pero se inspira en la película ‘Sueños’ de Akira Kurosawa. Livermore actualiza y moderniza la puesta en escena con la incorporación de las retroproyecciones de Gep Cucco, que sumergen la trama dentro de los cuadros de los pintores impresionistas más relevantes de la época, como pueden ser Renoir, Manet o Van Gogh. “La Bohème” es una de las obras más reconocidas del repertorio operístico italiano, que fue compuesta por Giacomo Puccini entre 1893 y 1895 fue estrenada el 1 de febrero de 1896 en el Teatro Regio de Turín. En esta ópera de cuatro actos se cuenta la historia de una costurera, Mimì, y sus amigos de la escena artística romántica, que intentan vivir –o más bien, sobrevivir– en el barrio latino del París de mediados del siglo XIX. Una de las expectativas está en la dirección musical que realizará James Gaffigan, que llegacon la intención de conquistar al exigente público valenciano dirigiendo una de las obras más populares del panorama operístico y queriendo demostrar porqué es el titular musical de Les Arts. Ciertamente llega con mucha ilusión, y en el momento más álgido de su carrera, después de todos los éxitos cosechados este verano. Las otras expectativas corresponden a los dos principales interpretes: el tenor Saimir Pirgu (Rodolfo), y la soprano Federica Lombardi (Mimì). La soprano italiana Federica Lombardi es una de las artistas más solicitadas de la generación joven especializada en la interpretación de los papeles principales de la soprano en las obras operísticas de Mozart. 2019 marcó su debut en Estados Unidos con la Metropolitan Opera en Nueva York, donde interpretó el papel de Donna Elvira en Don Giovanni. En el Teatro alla Scala de Milán cantó por primera vez el papel de Elettra en una nueva producción de Idomeneo dirigida por Christoph von Dohnányi, en Múnich, se la escuchó una vez más como Contessa en Le Nozze di Figaro. Federica Lombardi expresaba: “La ópera de Puccini está marcada por la enfermedad de la protagonista que domina toda la trama. El inicio está marcado por esa manera de vivir de la juventud con esa irresponsabilidad sin malicia en la que viven”. Desde el punto de vista interpretativo la soprano italiana considera que se trata de un papel cuya dificultad es constante y se declara seducida por el montaje, especialmente por la relación que se establece entre las proyecciones y la escena. Para ella, a ópera de Puccini está marcada por la enfermedad de la protagonista que domina toda la trama. “Pienso que Mimì no quiere aceptar el hecho de estar enferma”,…. “En los dos primeros cuadros, aparte de un pequeño desvanecimiento, la enfermedad no se percibe. Puede que se quiera engañar a sí misma y a los demás fingiendo que todo va bien. En esta producción, por ejemplo, se ve muy bien que ella está interesada en Rodolfo y por eso va a su casa con la intención de comenzar una historia con él. El inicio está marcado por esa manera de vivir de la juventud con esa irresponsabilidad sin malicia en la que viven”. Saimir Pirgu Tenor albanés nacionalizado en Italia Viene de estrenar la temporada en Viena Staatsoper el 18 de septiembre con “La Bohème” Nacido en Elbasan, Albania, en 1981, Saimir Pirgu comenzó su formación musical a una edad muy temprana, completando sus estudios de violín en su ciudad natal a la edad de dieciséis años. A la edad de veintiún años se graduó en el Conservatorio Claudio Monteverdi de Bolzano, Italia Fue por casualidad que Saimir Pirgu se encontró con Luciano Pavarotti cuando aún era estudiante. El tenor italiano lo entrenó en muchos de sus papeles más importantes hasta el final de su vida. En 2002, el joven tenor ganó el primer premio en los concursos internacionales de voz Caruso y Tito Schipa, preparando el escenario para su avance internacional. Posteriormente, Claudio Abbado eligió al cantante de veintidós años para el papel de Ferrando en Così fan tutte en Ferrara, el mismo papel con el que en 2004, bajo la dirección musical de Philippe Jordan, se convertiría en el cantante más joven de la historia. debut en un papel principal en el Festival de Salzburgo.

Temporada 2022-23 Oferta Espacial para jóvenes Y si eres menor de 28 años… ¡Estás de suerte! El día 7 de diciembre, antes del estreno oficial, Les Arts ofrece una sesión especial para que los jóvenes puedan deleitarse con este magnífico espectáculo por solo 10 €  Les Artsès per a tots PREESTRENO DE LA ÓPERA: “LA BOHÈME”. Sala Principal El miércoles 7 de diciembre a las 19:00 h., Les Arts pone a la venta entradas para acercar la ópera a los jóvenes. Es una oferta que está repitiendo en los preestrenos de las óperas que se van a presentar esta temporada 2022-23. Les Artsès per a tots PREESTRENO DE LA ÓPERA: “LA BOHÈME”. Sala Principal El miércoles 7 de diciembre a las 19:00 h., Les Artspone a la venta entradas para acercar la ópera a los jóvenes. Es una oferta que está repitiendo en los preestrenos de las óperas que se van a presentar esta temporada 2022-23. Les Arts, también presenta la Tarifa Plana Joven hasta 28 años. La Tarifa Plana para Jóvenes de hasta 28 años de edad permite disfrutar de 5 espectáculos de la programación de Les Arts a un precio muy especial. Canjeable por entradas desde el mismo momento de la adquisición de la Tarifa Plana en una selección concreta de zonas de precio de cada recinto, y en todas las zonas de precio desde 2 días antes de la fecha de su exhibición o de la de la fecha de estreno en el caso de espectáculos con múltiples fechas de representación.

Como cada año, El Club Sporting Club Russafa Carlos Moreno, ha preparado su Feria de Navidad. Tendrá lugar del 21 al 24 de diciembre de 2022 en la calle Sevilla nº 5 de Valencia. El horario de la Feria de Navidad será del 21 al 23 de diciembre  de 18:00 a 21:30 horas y el 24 de diciembre de  11:00 a 14:00 horas,  Los artistas que participan en la Feria de Navidad, participarán también en una exposición colectiva que se inaugurará en el mismo centro el próximo día 9 de diciembre a las 19:30 horas. Para esta ocasión, han sido seleccionadas obras gráficas (pintura, dibujo, escultura, fotografía, infografía o grabado) de 10 artistas que se han ofrecido a mostrar sus obras. El Sporting Club Ruzafa, ha transformado la antigua sede de equipo de fútbol de Russafa en una galería de arte, dotándolo además de unos talleres adyacentes para la realización de actos culturales participativos, como son un Área Expositiva, un Área de Taller para artista o un Área Escénica para representaciones. El Centro Cultural Sporting Club Russafa, está dedicado al mundo de la creación artística, y en el se puede adquirir arte directamente de los artistas creadores residentes, y en esta ocasión, también se podrán adquirir las obras de los artistas que participan en la Feria de Navidad. Durante todo el año, el Centro anima a participar en sus actividades que van desde la participación en tertulias hasta la asistencia a los espectáculos de teatro o danza, así como de los diversos eventos que se realizan en su escenario. Este año, estamos especialmente motivados ya que nuestra amiga Paz Calleja, participará en la Feria de Navidad, y en la Exposición Colectiva, junto a los otros 9 artistas que la organización ha seleccionado. Paz, desde el Espacio Cultural y Deportivo José Soler, nos alegramos de tu participación en este magnífico evento, y estaremos contigo apoyándote y deseando que, una vez más, tu talento sea nuevamente reconocido. ¡Nuestra enhorabuena al Sporting Club Russafa por sus inquietudes culturales!

Sumándose a la ola de la modernidad, Álex de la Iglesia se aprovecha del novedoso, aunque no original en el cine, método de transporte compartido BlaBlaCar, para revertir un tranquilo viaje en un frenético y enloquecido “road movie”. Para esta alocada película, y buscando quizás alcanzar los logros de su renombrado “El día de la bestia”, se ha rodeado, en todos los registros, de un elenco de los más selecto del panorama cinematográfico “nacional”, dotándola de un frenético ritmo y procurando también una historia delirante. Dirección: Álex de la Iglesia Guion: Jorge Guerricaechevarria y Álex de la Iglesia Música: Roque Baños y Rita Noriega Intérpretes: Alberto San Juan (Julián), Blanca Suárez (Lorena), Ernesto Alterio (Juan Carlos), Rubén Cortada (Sergio), Carlos Areces, Enrique Villén, Jaime Ordóñez, Gorka Aguinagalde, Carolo Ruiz, María Jesús Hoyos, Josep María Riera. “El Cuarto pasajero”, está producida por Telecinco Cinema, Pokeepsie Films SL y Te Has Venido Arriba A.I.E., con la participación de Mediaset España, Movistar Plus+ y Mediterráneo Mediaset España Group. Sinopsis: Recurriendo a una aplicación para compartir viajes (BlaBlaCar), Julián, un cincuentón divorciado, intenta seleccionar a los pasajeros con los que compartir los trayectos con Lorena, que desde hace meses tiene un asiento fijo para trasladarse a Madrid, y por la que ha desarrollado fuertes sentimientos. En esta ocasión se quiere sincerar con ella y declararle su amor, pero los compañeros elegidos en esta ocasión, Juan Carlos y Sergio, provocan un giro radical al viaje que desembocará en un frenético caos de acontecimientos. La película se rodó en plena pandemia y en diferentes localizaciones de la Comunidad de Madrid, País Vasco y La Rioja, y su director, después de los problemas emocionales pasados durante el rodaje, pretende que la película nos haga olvidar aquellos momentos y disfrutar y reír viendo esta delirante aventura. Gran parte del metraje ha sido rodado en el interior de un vehículo, y por ello, Blanca Suarez recuerda siempre en las entrevistas la afición del director por encerrarla en espacios no muy espaciosos tal como ya le ocurrió en “Mi Gran Noche” y “El Bar”. En “El cuarto pasajero”, se quiere representar un patrón de algunos de los personaje que “pululan” por nuestra sociedad, un divorciado sin trabajo obsesionado por el trabajo y el orden, una joven que no acierta a encontrar equilibrio en su vida sentimental, un pícaro que tiene soluciones para todo, y un guaperas que no se expone ante los problemas que rodean a su entorno.   El ritmo que Álex imprime a la película es vertiginoso, deja al espectador pocos momentos de respiro y lo introduce en una dinámica que, aunque generalmente previsible, le envuelve  en la trama y le hace partícipe de las peripecias por la que se va involucrando el grupo de compañeros en el viaje compartido. En resumen, para nosotros una película que se deja ver con agrado, y que despierta en el espectador una visión del mundo actual donde cada personaje que lo habita obtiene, algunas veces con resultados no muy celebrables, resultados acorde con lo que va sembrando por la vida, como el papel de Ernesto Alterio. Encarnando al insufrible Rodrigo en la película. El director vasco Álex de la Iglesia, nos ofrece en esta ocasión una obra de divertimento acorde con sus tendencias tempranas dedicadas al cómic. Durante toda la película vemos desfilar ante nosotros escenas que nos podrían trasladar a secuencias extraídas de las viñetas de cualquier comic tradicional, pero aplicando un lado romántico a la historia para endulzar el trepidante ritmo del guion. El guionista de la película es, una vez más, su inseparable amigo Jorge Guerricaechevarria, con quien comparte la redacción del libreto. Ha ganado un Premio Goya por el guion de “Celda 211”, basado en la novela homónima de Francisco Pérez Gandul. También ha sido finalista en Los Goya por los guiones de “El día de la bestia”, “La comunidad” y “El Niño” en la categoría de guion original, y al mejor guion adaptado por “Los crímenes de Oxford”. En 2008, Zinemastea premió su carrera como guionista La protagonista elegida para esta ocasión ha sido Blanca Suárez, y nos demuestra que no ha sido elegida por “rubia”. Blanca nos demuestra porqué, durante los últimos años, es una de las actrices más apreciadas de nuestro cine, en una película que nos parece muy complicada de interpretar, ya que, como hemos comentado, mantiene un ritmo trepidante en todas y cada una de las secuencias filmadas, sabe mantener el control de la escena y dotar, cuando el momento lo requiere, ese papel romántico que rompe el disparatado frenesí impuesto por los guionistas, Una película divertida en la que cada uno puede ver reflejada una parte de la vida que le rodea en este frenético mundo que nos ha tocado vivir

EL MES DE NOVIEMBRE NOS SORPRENDEN CON UNA MIRADA “kitsch”  El día 2 a las 19 h, función exclusiva para jóvenes menores de 28 años a 10 € Los días 4, 6. 9, 10 y 12 de noviembre de 2022 se presenta en el Palau la opereta en dos actos: EL CANTOR DE MÉXICO, con música de Francis López Con libreto de Félix Gandera y Raymond Vincy en versión libre de Emilio Sagi La opereta “Le chanteur de Mexico” fue compuesta por Francis López para el artista del momento en París, el popular artista vasco Luis Mariano, y se estrenó, con un éxito arrollador, el 15 de diciembre de 1951 en el Théâtre du Châtelet de París. Ese día el telón se levantó para consagrar un gran éxito de la cultura popular, una opereta que iba a representarse 905 veces seguidas, primero con Luis Mariano como protagonista indiscutible; luego, desde el verano de 1952, con la ayuda de Rudy Hirigoyen. Para el ovetense Emilio Sagi, la puesta al día de la obra pasa «por aportar al público una mirada parcialmente kitsch al tiempo que dadaísta de un libreto sensual, cargado de nostalgia y a la vez alegremente despreocupado». La opereta “El cantor de México” se ha llevado a la escena, a la televisión (por el mismo Luis Mariano) y el cine en una versión de Richard Pottier. La versión cinematográfica en color y cinemascope fue coproducida entre España y Francia y estrenada con mucho éxito. Venturas y desventuras de un joven que descubre el amor en París y el éxito en Technicolor. Equipo creativo Dirección musical: Óliver Díaz Dirección de escena: Emilio Sagi Escenografía: Daniel Bianco Vestuario: Renata Schussheim Iluminación: Eduardo Bravo Coreografía: Nuria Castejón Reparto Eva Marshall: Rossy de Palma Vincente Etxebar: José Luis Sola Riccardo Cartoni: Enrique Baquerizo Cricri: Sylvia Parejo Bilou: Toni Marsol Señor Boucher: José Luis Martínez Señorita Cécile: Ana Goya María: María José Suárez Lupita: Nagore Navarro El maestro del coro: Miguel Huertas Tizoc: Eduardo Carranza Cor de la Generalitat Valenciana Director Francesc Perales Orquestra de la Comunitat Valenciana Producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Ópera de Lausanne Como presenta Emilio Sagi, la puesta al día de la obra pasa “por aportar al público una mirada parcialmente kitsch al tiempo que dadaísta de un libreto sensual, cargado de nostalgia y a la vez alegremente despreocupado”. Para él, se trata de conservar el carácter de “puro entretenimiento” que tenía la obra y dice haberse inspirado en su “pasión por lo barroco”. Estima que una buena referencia conceptual es la de la novelista mexicana Elena Poniatowska, capaz de combinar un cierto rigor matemático en la construcción, con una apoteosis de desmesura, que recuerda “el cuerno de la abundancia que, confundimos con higos, plátanos mayestáticos y flores carnívoras” “La propuesta que se  presenta muestra un escenario fantástico, al más puro estilo kitsch, donde se recrea un mundo tropical, sofisticado, en tecnicolor como corresponde a ese tipo de cine que persigue el gran espectáculo y que es precisamente el universo en el que se suceden todas las tramas de la historia. Una escena repleta de situaciones cómicas entre elementos del folclore mexicano; llena de grandes flores y frutas, de colores necesariamente llamativos y, sobre todo, de buena música”. Como nos recordaba el “diario de navarra”: El tenor pamplonés José Luís Sola protagoniza “El cantor de México” en el Palau de les Arts de Valencia Emula al célebre Luis Mariano en este cruce entre opereta y musical de Broadway donde comparte escenario con la actriz Rossy de Palma El tenor navarro José Luis Sola protagoniza de nuevo “El cantor de México”, opereta estrenada en el madrileño Teatro de la Zarzuela en 2017 y que cinco años después se repone en el Palau de Les Arts de Valencia. A partir del día 2 de noviembre, Sola volverá a compartir escenario con la actriz Rossy de Palma, quien interpreta a la diva Eva Marshall. En total se representarán seis funciones, en concreto los días 2, 4, 6, 9, 10 y 12 de noviembre. Considerada un cruce entre la opereta y el musical de Broadway, “El cantor de México” destaca por su mestizaje, dando cabida a estilos tan variados como el mambo, el jazz, el charlestón, el bolero, la canción vasca y el folklore mexicano. “Lo bonito es poder adaptarse a todo tipo de músicas. Cada una de las interpretaciones son diferentes. Todas tienen una gran dificultad, pero para mí es un disfrute continuo”, asegura el tenor. El tenor pamplonés interpretará temas como  ”México”, “Maïtechu” o “Acapulco” en una espectacular puesta en escena en la que participan 80 personas. La escenografía, obra de Daniel Bianco, destaca por su exuberancia y colorido, con presencia de elementos gigantescos, como frutas y flores. Durante la obra se suceden a gran velocidad los cambios de escena y vestuario: “Para mí es un ‘tour de force’ porque no paro ni un momento, hasta el punto de que los cambios de vestuario los hacemos a pie de escenario. Ese es uno de los secretos de este montaje, que no hay un respiro. Además, es un espectáculo muy completo y agradable de ver”. Este artículo apareció en la edición impresa del jueves 21 de septiembre de 2006 en El País: La acción arranca en unos estudios cinematográficos, en pleno drama: la estrella masculina ha abandonado el rodaje. Pero ya se sabe, el mundo del espectáculo tiene horror al vacío y a estrella muerta, estrella nueva. Conseguir el puesto, seducir al productor y a la diva femenina son los dos desafíos por vencer. Tras muchos embrollos y no menos canciones, el éxito llega para quien al principio no era sino un modesto carpintero. La puesta en escena de 1951 también tenía horror al vacía y de ahí que el director contase con 200 figurantes y tres compañías de baile. La del propio teatro y dos llegadas de España. La de Emilio Sagi es elegante y prefiere llenar con un autentico despliegue de color, decorados y efectos especiales. Rossy de Palma impone su arrolladora personalidad desde su

Del 1 al 13 de octubre, el director belcantista Maurizio Benini toma la sala principal de Les Arts para dirigir «Anna Bolena»: la famosa ópera compuesta por Gaetano Donizetti. “Anna Bolena”, forma parte de la “Trilogía Tudor”. La “Trilogía Tudor” es un grupo de tres óperas compuestas por Gaetano Donizetti que giran en torno a la figura de Isabel I de Inglaterra; éstas son: “Anna Bolena”, estrenada el 26 de diciembre de 1830, en el Teatro Carcano, de Milán; “Maria Stuarda”, el 30 de diciembre de 1835, en el Teatro alla Scala, de Milán; y “Roberto Devereux”, el 28 de octubre de 1837, en el Teatro San Carlo, de Nápoles. Con “Anna Bolena” se inicia el proyecto de coproducción de los teatros de ópera de Valencia, Ámsterdam y Nápoles para representar en temporadas sucesivas la “Trilogía Tudor” de Donizetti. Se representará los días 1 (19 h), 4 (19,30), 7 (19,30 h), 10 (19,30 h) y 13 (19,30 h) de octubre de 2022: Ana Bolena fue la segunda esposa del rey Enrique VIII y la madre de la reina Isabel I, una de las más importantes monarcas de la historia británica. Su fecha de nacimiento solía fijarse en 1507, pero los historiadores más modernos la datan en 1501 t fue reina consorte de Inglaterra por su matrimonio con Enrique VIII. Ana Bolena fue arrestada el 2 de mayo de 1536, juzgada el 12 y ejecutada el 19. Aunque participó activamente en la promoción de la Reforma de la Iglesia inglesa, y a pesar de que se le considera la reina consorte más influyente e importante que Inglaterra ha tenido nunca, fue decapitada tras un discutible proceso bajo la acusación de adulterio, incesto y traición. Está extensamente aceptado que fue inocente de estos cargos y, más tarde, reconocida como mártir en la cultura protestante inglesa. Gaetano Donizetti: “ANNA BOLENA” Ópera en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani, basado en las obras, “Enrico VIII ossia Anna Bolena” de Ippolito Pindemonte y “Anna Bolena” de Alessandro Pepoli.   Enrique VIII se ha enamorado de Jane Seymour, pero a fin de poder casarse con ella ha de liberarse del vínculo que le une a su segunda esposa, Anne Boleyn (An Bolena). Esta accede a reunirse en sus aposentos con Percy, que la admira desde hace años y que, aunque está enamorado de ellas, ha sido llamado por el rey para que regresara de su exilio. El paje Smeton, que está también secretamente enamorado de Anne, oye por casualidad esta conversación. Anne rechaza las insinuaciones amorosas de Percy, que se desespera ante sus negativas y quiere poner fin a su vida. Al pensar que la reina se encuentra en peligro, Smeton sale de su escondite para defenderla y justo en ese momento el rey entre en los aposentos de su mujer, Es la oportunidad que Enrique VIII estaba buscando y ordena que arresten a todos tras acusarlos de traidores. En el segundo acto, Jane intenta convencer a Anne para que se confiese culpable, ya que sólo de este modo podrá salvar su vida. Luego le confiesa que es ella misma la amante del rey y ruega a Anne qué la perdone. La reina, conmovida, le concede su perdón. Frente al tribunal, Smeton confiesa ser amante de Anne, puesto que cree erróneamente que, de este modo, podrá salvarla. Percy también confiesa a Enrique su amor por la reina, pero la suerte de la soberana está sellada: es condenada a muerte junto con Smeton, Percy y su hermano, Lord Rochefort. En la torre de Londres, Percy y Rochefort rechazan desdeñosamente el indulto del rey y Anne se prepara para morir rogando a Dios que perdone a Enrique y a Jane. Se oyen a lo lejos sonidos de júbilo y celebración: el rey acaba de casarse con Jane Seymour. Equipo creativo:   Dirección musical: Maurizio Benini   Dirección de escena: Jetske Mijnssen Escenografía: Ben Baur Vestuario: Klaus Bruns Iluminación: Coro van der Brink Coreografía: Lilian Stillwell Reparto: Enrique VIII: Alex Esposito Anna Bolena: Eleonora Buratto Jane Seymour: Silvia Trueno Santafé Lord Riccardo Percy: Ismael Jordi Sir Hervey:  Jorge Franco Smeton: Nadezhda Karyazina Lord Rochefort: Gerard Farreras Coro de la Generalitat Valenciana. Director Francisco Perales Orquesta de la Comunidad Valenciana Nueva producción del Palacio de las Artes Reina Sofía, en coproducción con la Dutch National Opera de Ámsterdam y el Teatro San Carlo de Nápoles La soprano Eleonora Buratto que ya cantó en Les Arts el “Requiem” de Verdi, interpretará el papel de Anna Bolena, e interpretará también en Valencia a las otras dos reinas que posteriormente completarán la Trilogía de Donizetti. Eleonora Buratto es una de las sopranos líricas más aclamadas del mundo. Nació en Mantua y se diplomó en el conservatorio de su ciudad natal. Durante tres años estudió con Luciano Pavarotti y después con Paola Leolini. En 2007 ganó el concurso A. Belli del Teatro Lírico Experimental de Spoleto, donde debutó con Musetta de “La bohème”. Su carrera en la ópera comenzó en 2009 de la mano de Riccardo Muti. Ha cantado papeles como Despina (“Così fan tutte”), la Contessa (“Le nozze di Figaro”), Alice (“Falstaff”), Euridice (“Orfeo ed Euridice”), Lisa (“La sonnambula”) o Norina (“Don Pasquale”) en escenarios como el Teatro alla Scala de Milán, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Staatsoper de Viena y el Liceu de Barcelona. Ha colaborado estrechamente con Riccardo Muti, con quien ha cantado Creusa (“Demofoonte”), Susanna (“I due Figaro”) y Amelia (“Simon Boccanegra”) en Salzburgo, París y Roma. Recientemente ha interpretado a Donna Anna (“Don Giovanni”) en el Festival de Aix-en-Provence y Mimì (“La bohème”) en la Opernhaus de Zúrich. En el Real ha participado en “I due Figaro”, “Don Pasquale”, “L’elisir d’amor” y “Le nozze di Figaro”. Nacido en Bergamo, Alex Exposito es uno de los cantantes más solicitados del circuito internacional. Su presencia es habitual en los teatros líricos más prestigiosos, como la Royal Opera House de Londres, La Scala de Milán, la Deutsche Oper de Berlín, la Ópera Nacional de París o la Weiner Sttatsoper de Viena entre otros. Siempre confiesa sentirse muy cómodo cantando roles diabólicos: “Me gusta ser el malo en la ópera…”. Además, ja sido galardonado con el “Premio

El 28 de septiembre de 2022 Oferta Espacial para jóvenes Y si eres menor de 28 años… ¡Estás de suerte! El día 28 de septiembre, antes del estreno oficial, Les Arts ofrece una sesión especial para que los jóvenes puedan deleitarse con este magnífico espectáculo por solo 10 € Les Arts ès per a tots PREESTRENO DE LA ÓPERA: “ANNA BOLENA” El miércoles 28 de septiembre a las 19 h., Les Arts pone a la venta entradas para acercar la ópera a los jóvenes. Es una oferta que parece quiere repetir en los preestrenos de las óperas que se van a presentar esta temporada 2022-23. Entra en la página de Les Arts y reserva tu entrada, además podrás informarte para los próximos eventos y de las ofertas que esta temporada se van a presentar para animar a los jóvenes a que se acerquen a este extraordinario recinto. Este miércoles se presentará la ópera de Gaetano Donizetti; ANNA BOLENA Ópera en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani, basado en las obras, “Enrico VIII ossia Anna Bolena” de Ippolito Pindemonte y “Anna Bolena” de Alessandro Pepoli.   Les Arts, también presenta la Tarifa Plana Joven hasta 28 años. La Tarifa Plana para Jóvenes de hasta 28 años de edad permite disfrutar de 5 espectáculos de la programación de Les Arts a un precio muy especial. Canjeable por entradas desde el mismo momento de la adquisición de la Tarifa Plana en una selección concreta de zonas de precio de cada recinto, y en todas las zonas de precio desde 2 días antes de la fecha de su exhibición o de la de la fecha de estreno en el caso de espectáculos con múltiples fechas de representación.

En el nomenclátor de las calles del municipio de Dos Aguas aparecen nombres de lo más diverso, y nos gustaría estudiar “la toponimia” (estudio del origen y el significado de los nombres propios de los lugares) a la que están las relacionadas: por ejemplo los Ecotopónimos (que designan casas, pueblos, barrios), los Agrónomos (relacionados con la agricultura y el campo), los Antropónimos (derivados de nombre de persona), los  Orónimos (nombres de montañas y otras accidentes geográficos), etc. En esta ocasión nos vamos a decantar por la calle Valencia Esta rua es un pequeño tramo que nace en la confluencia de las calles José Garrigós y la calle Alta y termina en la Plaza de la Constitución, plaza principal del pueblo, y a partir de la cual enlazaría con la Avenida Marqués de Dos Aguas, ahora arteria principal de entrada a Dos Aguas. Su denominación queda muy clara a poco que uno deambule por el pueblo, después de recorrer el pequeño “turó”, donde se asienta la mayor parte del núcleo urbano antiguo, esta pequeña calle señala la salida del pueblo hacia la “gran ciudad”. El toro de cuerda acampa a sus anchas por la calle Valencia en busca de la plaza de la Constitución Foto de Lafuente. Es por ello que la encuadramos dentro de la toponimia relacionada con los Odónimos, entendidos estos, como nombres relacionado con las vías de comunicación o de cosas relacionadas a estas, aunque su denominación designe, claramente, el nombre de una ciudad y quizás debería encuadrarse dentro de los ecotopónimos. Lo que si queda claro es que esta calle indica la salida hacia la plaza principal del pueblo, donde estaba situada la fonda, y por ende, donde poder tomar el autobús así como la carretera de salida natural hacía la ciudad de Valencia. Dos Aguas (Valencia) y sus calles: 1. C. Valencia    Agencia NUEVAS DIMENSIONES para la REVISTA NOVA DIMENSIÓ . VALÈNCIA ESPAÑYA.

 Valencia sigue siendo la gran desconocida tanto para el viajero que la vista como para el propio ciudadano que la habita, por eso la Revista Nova Dimensiò y la Agencia Nuevas Dimensiones, nuevamente se han unido para ofrecer esas aristas que apenas son conocidas como sucede con: «El jardín de Monforte» Un jardín de la burguesía ilustrada del XIX al servicio de los valencianos y visitantes La entrada, gratuita, se realiza por el palacete de la calle Monforte, entre el inicio del Paseo al Mar y la Alameda, muy cerquita de los jardines de «Viveros». El horario de apertura del jardín: del 21 de marzo al 20 de septiembre es de 10.30 a 20.00 horas y del 21 de septiembre al 20 de marzo de 10.30 a 18.00 horas. Siempre que acedemos a este lugar nos sorprende su tranquilidad y ensueño; nos sorprende cómo, estando rodeado de varias de las zonas de más circulación de la ciudad, sigue siendo un remanso de quietud, por lo que es utilizado diariamente por mucha gente que desea relajarse, leer o simplemente pasear bajo la agradable sombra de sus árboles. El origen del jardín corresponde a un huerto de extramuros de Valencia, propiedad de Don José Vich, (antes Manglano Ruíz) Barón de Llaurí. Entre 1847 y 1849 la finca fue  vendida a Don Juan Bautista Romero, Marqués de San Juan (1807-1872),  que pago por él 80.000 reales. La transformación de la finca fue encargada al valenciano Don Sebastián Monleón Estellés (1815-1878) quién diseño un pabellón de recreo y la modificación del resto del terreno en un huerto y un jardín. Este arquitecto fue también autor de la Plaza de Toros, y para 1859 las obras del jardín ya estaban acabadas. Al morir el Marqués de San Juan en 1872, la propiedad  pasa a su esposa que la deja en herencia a una de sus sobrinas, Doña Josefa Sancho Cortés. Doña Josefa contrae  matrimonio con Don Joaquín Monforte Parrés, y a partir de ese momento se produce el cambio de nombre y toma su actual denominación. Tomando en cuenta las características del jardín: el artístico trazado neoclásico,  el pabellón de descanso, las 33 estatuas de mármol diseminadas a lo largo y ancho de los parterres, la montaña diseñada para romper la monotonía del terreno y la colocación de un mirador, los estanques y fuentes, la gran pérgola y otros detalles, a instancias de Xavier de Winthuysen (el jardinero sevillano de la Generación del 27), y por decreto de 30 de mayo de 1941 es declarado como Jardín Artístico Nacional. Actualmente está declarado como Bien de Interés Cultural (BIC). En 1970, pasa a ser propiedad municipal y tras la rehabilitación del Palacete y del trazado artístico neoclásico del jardín fue abierto al público en 1973. La visita a los “Jardines de Monforte” se pueden estructurar en tres partes: el pabellón de descanso o palacete, dos pequeños jardines de tipo privado o intimista que flanquean el edificio, uno a cada lado de sus fachadas interiores y la tercera parte los jardines propiamente dichos que ocupan la mayor extensión del terreno, casi once mil metros cuadrados. El pabellón de recreo es un sencillo edificio de estilo academicista francés con planta rectangular, dos pisos y terraza, y una pequeña linterna octogonal en el centro. Por la izquierda se acceda a la parte íntima del palacete a través de una escalinata cuyas paredes se decoran con nueve figuras femeninas pintadas al temple y otros tantos medallones con amorcillos, y conduce al piso principal, donde hay varias estancias en torno a una central. La fachada principal tiene una gran balconada y recae a uno de los pequeños jardines. Actualmente el pabellón de recreo se utiliza para la celebración de las bodas civiles con la intención de dar mayor boato a este tipo de celebraciones. De los dos pequeños jardines intimistas que tiene alrededor el pabellón destacamos el que enfrenta a la fachada principal y que se caracteriza por un espacio cerrado por un pequeño muro de escasa altura en cuyo centro encontramos una alberca rodeada por un pequeña verja de hierro con un surtidor en el centro con un “niño cabalgando sobre un cisne”. Una sencilla portada formada por un arco de medio punto, adornada con dos dragones o grifos y a la que se accede por una pequeña escalera que salva el desnivel del terreno, permite el paso a los jardines. A este lugar se le suele denominar “Glorieta de los Arcos”. Estos jardines guardan también una curiosidad: LOS LEONES del Congreso de los Diputados de Madrid El segundo de los jardines está situado en otro de los lados de la casa y es de forma semicircular, llama la atención por la existencia de una portada que da acceso a una de  las zonas ajardinadas desde el palacete. Está formada sencillamente por dos jambas sin dintel rematadas por jarrones a las que da entrada una escalera. Custodiando la escalera hay colocadas las estatuas de dos leones presidiendo la entrada. Cuenta la historia que estas figuras fueron realizadas para ser colocadas en la entrada del Congreso de los Diputados de Madrid pero que, en el último momento, las dimensiones no parecieron a sus señorías acordes con el “magno edificio” y decidieron la ejecución de otras en bronce de mayor tamaño. Coincidió que Don Juan  Bautista era por aquel entonces diputado del partido Moderado  en Madrid y, cuando los leones de piedra fueron retirados, optó por comprarlos y traerlos a los Jardines de su finca en Valencia. Los leones están esculpidos en  piedra blanca de Colmenar (Madrid), son obra de José Bellver Collazos (Ávila 1824-Madrid 1869) y fueron realizados hacia 1850. Se puede ver un poco más de esta historia copiando la ruta del siguiente enlace: http://nuevadimensiondeportiva.blogspot.com.es/2017/01/los-leones-del-congreso-de-los.html En la tercera parte es donde la vegetación adquiere exuberancias y efectos de jardín paisajístico en torno a un montículo artificial rodeado de añosos pinos y otras especies arbóreas que hacen reflejar sus sombras sobre la tersura cristalina del agua remansada en el gran estanque o lago artificial, de más de 20 metros de diámetro con surtidores a su alrededor y en el centro. Las grutas, los senderos y pasadizos rústicos que se encuentran en este montículo confieren al conjunto un carácter romántico que invita a su disfrute. Aquí se plantaron ejemplares

La temporada lírica de “Les Arts” empezará el 16 septiembre en el Teatro Martín y Soler con la creación más reciente de Jamie Man, en una innovadora propuesta, “Zelle”: Wenn es dunkel wird (CUANDO ES OSCURO), en la que la artista británico-china pone poesía y música al servicio de la reflexión de la existencia humana, en un ejercicio estético en el que convergen fotografía, cine y el teatro Noh japonés. Nueva producción del Palau de les Arts Reina Sofía, en coproducción con LOD muziektheater, Theater und Musikgesellschaft Zug, deSingel, Asko Schönberg, Festival de Aix-en-Provence, De Munt/ La Monnaie “Les Arts” proponen para la nueva temporada un recorrido por la historia de la ópera Para comenzar ha programado para el 16 de septiembre una obra del siglo XXI, la creación más reciente de Jamie Man, la ópera “Zelle”. Después de su primera ópera, “Play: Episodes in Subspace” (2016), encargada por la Fundación Gulbenkian, la compositora afincada en Londres, Jamie Man presentó en el 2021 otra creación en la que pone la música al servicio de explorar el misterio poético de la existencia humana. En “Zelle”, su nueva ópera de cámara, todo parte del interrogatorio policial a una mujer, pero el escenario pronto se convierte en un lugar poblado por constantes contradicciones. Como reza en la presentación de Les Arts: “ZELLE” de Jamie Man Ópera de cámara Zelle, wenn es Dunkel wird, la respuesta sin pregunta. Invierno en una montaña. En la montaña hay una cabaña. En la cabaña una mujer. En la mujer hay un secreto. En el secreto hay preguntas. Sin respuesta. Solo hay la certeza de un crimen cometido. Un escenario inmaterial y tecnológico, donde la oscuridad lleva a la luz en una celda de la que sólo pueden liberarnos las preguntas, aunque sean sin respuesta, en la oscuridad. ¿No es en la oscuridad donde más brilla la luz? Les Arts, en el marco de programación del Festival ENSEMS, coproduce con otros teatros y festivales europeos la última ópera de cámara de la compositora Jamie Man, quien es también la responsable de la dirección de escena. Su punto de partida en Zelle es una realidad llena de contradicciones, donde se juega con las voces y lo visual, con la sensación de que nada parece ser lo que se espera, rompiendo las expectativas fundadas. Así, por ejemplo, las particulares voces de los protagonistas, entre las que figura el contratenor alemán Steve Katona, son escogidas y dispuestas por Jamie Man de forma que no advirtamos a quién pertenece cada voz. Esta producción cuenta también con el apoyo de ENOA. Equipo creativo: Dirección de escena y composición: Jamie Man Texto: Peter Stamm Escenografía e iluminación: Ezra Veldhuis Vestuario: Fredrik Tjaerandsen Dramaturgia: Tomas Serrien Reparto: Contratenor: Steve Katona Nōh: Ryoko Aoki Throat Singer: Olesya Zdorovetska Ejecución musical: Asko|Schönberg Guitarra eléctrica: Wiek Hijmans Percusión: Joey Marijs Música electrónica: Tatiana Rosa En colaboración con el Festival ENSEMS

Un total de 42 chefs de hasta doce países diferentes participaron en  cocinar la mejor paella del mundo, celebrado en Sueca València. Sueca ya es la mejor embajadora de la paella tradicional en el mundo, plato universal que despierta pasiones en todos los rincones del mundo. un jurado de reconocido prestigio profesional con una larga trayectoria en el mundo de la gastronomía desde diferentes áreas, que aportará su visión y conocimiento en torno al complejo y ancestral mundo de la paella, donde no sólo cuenta saber ejecutar la receta sino elaborarla con destreza y con respeto a cada uno de los ingredientes. Esta experiencia  la vivimos de cerca junto a la pareja de participantes intencionales, el   Chef Adan ventura  y   su esposa Jazmín Valladares, de Tasty Paella (Texas, EE.UU.) .  Distinguidos  por la pasión y  el  amor por la cocina valenciana. y que obtuvieron el premio a la mejor paella internacional. El chef Ventura además ser un referente  en la comunidad  latinoamericana conocido  por su  buena cocina y    su arrolladora  personalidad  ,  atendió  amablemente a cada uno de los visitantes compartiendo  detalles de su  sazón. ¡Enhorabuena !

Como en años anteriores “Les Arts” abre la temporada con la Jornada de Puertas Abiertas También, como en años anteriores, muchos aficionados a la música se quedarán sin poder asistir a las actividades artísticas ya que se ha anunciado que el aforo está completo desde hace algunos días: “Les Arts informa de que las localidades gratuitas para las distintas propuestas musicales están agotadas”. El orden de funcionamiento será el siguiente: El público podrá visitar el edificio de 00 h a 17.00 h, hora en la que accederá el último grupo de visitantes para recorrer libremente los diferentes espacios, como la Sala Principal, el Auditori o el Espai Los Toros. A lo largo de su recorrido, el público podrá disfrutar también de otras propuestas como una exposición de vestuario de ópera en el vestíbulo principal o el trabajo ‘in situ’ de la artista urbana Julieta XLF, que conmemorará la jornada con la realización de un mural en la pasarela principal. El Teatre Martín i Soler albergará dos sesiones, a las 12.00 h y a las 00 h, de un recital en el que los jóvenes cantantes y pianistas del proyecto de formación de Les Arts interpretarán conocidos fragmentos de ópera y zarzuela. La Orquesta de la Comunitat Valenciana, por su parte, será la encargada de clausurar la jornada con un concierto sinfónico, que dirigirá Álvaro Albiach en el Auditori a las 30 h. El maestro valenciano estrenará, con la formación titular de Les Arts, “Sorolla breve suite”, compuesta por el alcireño Juan José Colomer a partir de la música de su ballet “Sorolla” creado para el Ballet Nacional de España, que servirá de preludio al centenario del nacimiento del pintor valenciano en 2023 Programa: Juanjo Colomer 1966 Suite del ballet «Sorolla» Georges Bizet 1838-1875 La Arlésienne, Suite núm. 1 Antonín Dvořák 1841-1904 Sinfonía Nº 7, en re menor, Op. 70 Director: Álvaro Albiach Orquestra de la Comunitat Valenciana

Para finalizar el Festival Sagunto a Escena 2022, la Glorieta de Sagunto acogerá los dos últimos espectáculos del Off Romà, el día 28 de agosto: el circo de Spinish Circo, con “Peus dalt”, y el teatro con la obra “Aquiles”, de La Fam Teatre.   Espectáculos gratuitos   28 de agosto de2022 a las 20 h. Off Romà en La glorieta de Sagunto Spinish Circo: “Peus dalt” <Cinco individuos nos embarcan en un viaje entre el individuo y el colectivo; compartiendo diferentes universos en un espacio común, en el que la confusión de nuestra propia identidad se relaciona con la otredad y las personalidades de los demás. Expresándose y relacionándose a través del circo, el teatro, y el movimiento como lenguaje en la búsqueda de un mismo objetivo; sobrepasar el individuo y salir del anonimato. ¿Conseguiremos despertar?> Spinish CIRCO La idea de crear una compañía se empieza a gestar en 2012 cuando su principal fundador, Edu Martínez empieza a girar sus intervenciones artísticas en convenciones y festivales de Asia y Oceanía. Es en 2015 donde Edu se asienta de nuevo en Valencia y empieza su marcha en España y Europa.   Desde entonces activa una búsqueda de artistas jóvenes con formación técnica de circo, proyección de futuro e intereses artísticos interesantes y atractivos en una línea claramente contemporánea y de diversidad artística. Dirección: Pau Portabella Ayudantes de dirección: Edu Martínez y Anna Kurikka Intérpretes: Marius Dince, Maive Silvestre, Anna Kurikka, Juan Manuel Cisneros y Edu Martínez Dirección musical y música original: Gilberto Aubán “Gilbertástico” Producción: Spinish Circo. Y el mismo 28 de agosto de2022 a las 21 h. Off Romà en La glorieta de Sagunto   LA FAM Teatre: “Aquiles”   ESPECTÁCULO ITINERANTE DE TEATRO DE CALLE DÓNDE AQUILES, UN GIGANTE ARTICULADO DE 5,50 METROS DE ALTURA, IRRUMPE EN LA CIUDAD… Aquiles, hijo de la diosa Tetis y del mortal Peleo, fue uno de los grandes héroes de la mitología griega. De todos los que lucharon en la Guerra de Troya fue el más reconocido. Su papel en la guerra fue decisivo para la victoria de los griegos. Pese a sus cualidades sobrehumanas, Aquiles era mortal. La extrema fortaleza, crueldad, arrogancia y belleza de Aquiles se convirtió en el prototipo de todos aquellos que quisieran pagar por vivir una vida ilustre, peligrosa y acelerada. Aquiles se adentra en la ciudad con sus más de 5 metros de altura y sus casi 800 kg recorriendo las calles y plazas e irrumpiendo en el día a día de la ciudad. Un espectáculo de enorme impacto visual que deja fascinados a todos aquellos que se acercan a ver cómo Aquiles camina por las calles. LA FAM Teatre es una compañía de teatro de calle que nace el año 2014 en la ciudad de Vila-real (Castellón) de la inquietud de un experimentado equipo de actores, actrices y músicos con la intención de trabajar nuevos códigos y estéticas escénicas que transformen la calle en un espacio no convencional. ¡Fin a la XXXIX Edición de Sagunt a Escena!

El fútbol femenino nace en UK. durante la Primera Guerra Mundial. Trabajadoras de fábricas textiles o municiones: Ladies Football Club.   Un musical en castellano para todos los públicos con una duración de 2 h 25 minutos. Precios: 16, 20 y 24 €   Después del éxito obtenido con el espectáculo “LEHMAN TRILOGY”, Sergio Peris Mencheta ha vuelto a adaptar y a dirigir una obra el mismo autor, Stefano Massini, sobre la historia real de los primeros equipos de fútbol femenino en el Reino Unido. La historia real de los primeros equipos de fútbol femenino en el Reino Unido.   Barco Pirata: “Ladies Football Club” Once actrices darán voz a una de las historias menos conocidas del deporte, la creación y prohibición de los primeros equipos de fútbol femenino en Europa. El día 6 de abril del año 1917 (un viernes) la radio del frente anunciaba nuevos muertos. Entre ellos, el Príncipe Friedrich Karl, sobrino del Káiser Guillermo,y bronce en salto a caballo en la olimpiada de 1912. El día 6 de abril del año 1917Lenin preparaba la Revolución Rusa. El día 6 de abril del año 1917 (un viernes)Estados Unidos entraba en guerra. Pero, sobre todo, el día 6 de abril del año 1917,(un viernes) durante la pausa del almuerzo, once trabajadoras de la Doyle & Walker Municiones, once “munitionettes” de manos amarillas, empezaban a correr detrás de un balón. Con el tiempo la técnica y alguien les propone jugar una “liga de verdad”. A falta de campeonatos masculinos, el fútbol femenino de esos años tendrá su primera temporada dorada y se ganará el cariño del público. “Ladies Football club”. El fútbol femenino nace hace más de 100 años en Inglaterra, durante los años de la Primera Guerra Mundial. Equipos que se convirtieron en legendarios, formados por las trabajadoras de las fábricas textiles o de municiones, y que en poco tiempo lograron un enorme afecto y atención del público, provocando la hostilidad por parte de las instituciones masculinas de fútbol. Sergio Peris-Mencheta dirige esta magnífica historia que cuenta con un reparto de lujo. Intérpretes: Alicia González, Ana Rayo. Andrea Guasch, Belén González, Carla Hidalgo, Diana Palazón, Irene Mauieira, María Pascual, Noemí Arribas, Nur Levi, Silvia Abascal y Xenia Reguant Dirección y adaptación: Sergio Peris-MenchetaVersión: Sergio Peris-MenchetaTraducción: Ignacio RengelDirección musical: Joan Miquel PérezEscenografía: Alessio Meloni (AAPEE)Iluminación: David PicazoVestuario: Elda Noriega (AAPEE)Arreglista musical/vocal: Ferrán GonzálezAtrezo: Eva RamónDirección y coordinación técnica: Braulio BlancaAyudante de dirección: Óscar Martínez-GilDirección de producción: Nuria-Cruz MorenoAdjunto a dirección de producción: Fabián Ojeda VillafuerteAyudante de producción y regiduría: Blanca SerranoProducción ejecutiva: Barco PirataFotografía: Sergio ParraDiseño gráfico: Eva RamónJefa de Prensa: María DíazDistribución: Fran Ávila Producción y Distribución ¡Sagunto a Escena se suma a la actualidad deportiva!

Off Romà: viernes 26 de agosto a las 20 h. Espectáculo de danza Festival Sagunto a Escena 2022 en el Centro Cívico Off Romà: viernes 26 de agosto a las 20 h. Espectáculo de danza Andrés Marín Flamenco Abierto: “En la hora encendida” “En la hora encendida” es la revisión de Andrés Marín de “La siesta del Fauno”, verdadera piedra de toque de la danza moderna. En la obra original, Vaslav Nijinsky revelaba el trasfondo animal latente tras el ambiente bucólico y la cuidadosa reconstrucción de los relieves y las figuras pintadas en las cerámicas clásicas. Para esta nueva coreografía, sobre la música de Debussy, bajo la luz dura del mediodía andaluz y frente a la línea recta del horizonte marino, Marín, acompañado de la bailarina Lucía Vázquez, pondrá en marcha los resortes de su personal arcano flamenco,  encarnando la energía,  los perfiles y los escorzos de un fauno si acaso más anguloso y descarnado. Un paso a dos que en el que dos seres, fauno y ninfa, se manifiestan plenos, cada uno embargado por su propio deseo, al tiempo que se ocultan del otro en pleno día. Andrés Marín: coreógrafo y bailaor. Lucía Vázquez: coreógrafa y bailarina. José Miguel Pereñiguez: colaboración artística.    La Compañía Andrés Marín es uno de los bailaores más singulares del panorama flamenco actual. Sus producciones se han centrado en la tradición flamenca y específicamente en los cantes clásicos, pero no desde una perspectiva convencional, sino a través de un estilo personalísimo y una estética de absoluta contemporaneidad. Director coreográfico, artístico y musical de su propia compañía, sus creaciones reflejan la libertad expresiva de una profunda investigación artística. De allí nace una poética rica en imágenes sugerentes, al servicio de su compromiso con el arte y con él mismo. En todas las obras de Andrés Marín reina la experimentación y el riesgo. CREACIÓN 2021 FESTIVAL CÁDIZ EN DANZA EN COLABORACIÓN CON LA JUNTA DE ANDALUCÍA

La danza de CocinandoDanza y su espectáculo “Vida“ estarán en el Centro Cívico el 25 de agosto a las 20 h. Espectáculo gratuito en valenciano de 1 hora de duración.   “VIDA” Es un espectáculo de danza donde lo masculino y lo femenino establecen un diálogo mediante el cuerpo, más allá del género. Es un canto a la ternura, al diálogo, al encuentro, a la duda, al amor, a la calma y al tiempo. La danza contemporánea como vehículo, siguiendo los compases de la bossa nova, el jazz, de los ritmos brasileños y las músicas de compositores y cantautores valencianos, con ecos mediterráneos. «Vida» ha contado con subvención del Institut Valencià de Cultura dentro de su programa de ayudas al sector de la danza 2016, ha formado parte de la campaña Anem al Teatre  de la provincia de Valencia, dentro de su programación para educación secundaria y en 2018 fue uno de los espectáculos de danza con mayor proyección dentro del Circuito Cultural Valenciano. CocinandoDanza:  “Vida” Idea original, coreografía e intérpretes: Henar Fuentetaja y Miguel Tornero Música: Rafel Arnal, Thaïs Morell y David Antolín Texto: Marc Granell Diseño y realización de vestuario: Byanina – Ana de Miguel Diseño de iluminación: Diego Sánchez Distribución: CocinandoDanza Escenografía y atrezzo: Der Grüne Punkt Compañía Residente en la Casa de la Cultura del Ayuntamiento de Picanya. Espectáculo subvencionado por Institut Valencià de Cultura Con el apoyo del Centro Cultural Ciudad Pegaso (Distrito San Blas-Canillejas, Madrid) La misión de CocinandoDanza  es la difusión y promoción de la danza en nuestra sociedad con espectáculos y propuestas pedagógicas para publico diverso y con especial atención a públicos diversos y poblaciones que no sean focos principales de producción cultural. ¡De nuevo la danza se acerca al “Sanatorio”!

24 de agosto a las 22:30 H. Espectáculo gratuito. El 24 de agosto, la irreverencia de Miss Beige llevará la ‘performance’ participativa ”Secretos de Alcoba” hasta el Teatro Romano, con Ana Esmith como creadora y ‘performer’. ¿Qué es el performance? La performance reemplaza a la acción para designar las realizaciones públicas que proponen los artistas pertenecientes a corrientes que requieren la presencia de espectadores para llevar a cabo sus obras. Es una forma artística que combina elementos del teatro, la música y las artes visuales. Miss Beige: “Secretos de alcoba” Performance participativa. El espectador tendrá una invitación para conocer a Miss Beige y acostarse con ella compartiendo así secretos de alcoba. “El mirón”, que debe entrar en solitario, dúos o tríos, se convierte en protagonista, teniendo que interpretar la insinuación. La vulnerabilidad del artista frente a la vulnerabilidad del espectador. Pero ¿quién mira a quién? Miss Beige, en “Secretos de alcoba”, no nos instruye, no nos pide, de manera implícita o explícita, que seamos obedientes. Nos deja libres y ahí, quizás, es donde radica el vértigo fascinante de esta performance. Dependerá del espectador lo lejos que quiera ir cuando se sienta provocado. Los límites los pone el espectador y las reflexiones también pero ya es hora de poner al público, si así lo desea, en una situación que no sepa controlar. El mirón también tendrá que jugar y arriesgar. Hay muchas maneras de jugar y ser jugado y Miss Beige con su presencia coloca al espectador en una posición de sorpresa sin escapatoria. Y TÚ, ¿TE ATREVES A SER BEIGE? Miss Beige, una mujer hierática, seria, observadora, silenciosa, rígida; de apariencia clásica: media melena lisa, raya en medio, gafas grandes, gesto adusto, vestido beige con botones y cinturón. En el cuello lleva prendidas dos medallas, usa guantes, calza zapatos con algo de tacón y como complemento y seña de identidad su bolso y su martillo ¿Y quién es Miss Beige? Es una identidad contra canónica, comprometida con una cotidianidad diferente y radicalmente alejada de los nuevos cánones que se imponen en las redes sociales, concretamente, Instagram. Esto comienza por el propio uso monocromo del beige, un color aséptico con el que critica la obsesión por el retoque, el filtro y los mecanismos de autoengaño que nos ofrecen nuestros dispositivos y aplicaciones de imágenes. El total look beige proporciona una imagen muy distinta a la que estamos acostumbrados a ver en las pantallas. Lejos de la hipersexualización, Miss Beige enfatiza en los aspectos más corrientes, e incluso, aburridos de nuestra cotidianidad. ANA ESMITH: “ME LLEVO SUPER BIEN CON MISS BEIGE. ES CASI COMO MI MADRE, QUE ME AMPARA Y DA FUERZAS. OJALÁ PUDIERA TENER SU FUERZA, ENTEREZA Y HONESTIDAD”